Steve Reich et les expérimentations

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1965 : IT'S GONNA RAIN
(pour bande magnétique)

Une de ses premières œuvres et considérée comme l'une des pièces fondatrices et majeures du style de la musique de phase au sein de la musique minimaliste.

Il s'agit de la première œuvre majeure de Steve Reich, qui consiste en un travail sur le phasing d'un enregistrement sur bande magnétique du prêche pentecôtiste d'un pasteur afro-américain, Brother Walter, en janvier 1965 sur Union Square à San Francisco. La phrase « It's gonna rain » est issue de l'histoire de Noé et sera répétée en boucle durant les 17 minutes 30 secondes que dure l'œuvre, accompagnée de bruits divers (battement d'ailes de pigeon, bruit de la ville) de l'ambiance sonore du lieu.

Cette œuvre fondatrice est partiellement issue du fruit du hasard. En effet, Steve Reich disposait de l'enregistrement sur deux magnétophones Wollensak de mauvaise qualité, et avait initialement l'intention de faire jouer les magnétophones de manière décalée, l'un sur « It's gonna », l'autre sur « rain ». Au lieu de cela, les magnétophones ont démarré à l'unisson, mais ont rapidement perdu leur synchronicité créant un déphasage d'un enregistrement par rapport à l'autre que Steve Reich exploitera au niveau des harmonies nouvelles créées, ainsi qu'en jouant sur le phasage et rephasage de la phrase au cours du temps. Cette technique sera également utilisée volontairement cette fois-ci pour sa composition suivante Come Out en 1966.

Ces travaux précurseurs de Reich sur la musique de phase, entre 1965 et 1970, influenceront de nombreux musiciens classiques ou non tels que Philip Glass et Brian Eno.

https://www.youtube.com/watch?v=vugqRAX7xQE

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1966 : COME OUT
(pour bande magnétique)

A partir de "Come Out", il décide d'exploiter le principe de phasage/déphasage des bandes magnétiques et de raffiner le procédé. Il compose, sur commande, une pièce en soutien aux « Harlem Six », un groupe de six jeunes afro-américains arrêtés et inculpés collectivement pour un meurtre commis lors des émeutes de Harlem de 1964. L'ensemble du groupe fut jugé coupable et battu par la police, alors que seul l'un d'entre eux était l'auteur du crime. Truman Nelson, un militant du mouvement des droits civiques, confie à Steve Reich dix heures d'enregistrements des témoignages de jeunes gens, le laissant libre de les utiliser à sa guise comme source de création musicale primaire.

La pièce est ainsi basée sur la phrase « I had to, like, open the bruise up and let some of the bruise blood come out to show them ». Cette phrase prononcée par Daniel Hamm, un des garçons impliqués dans les violences mais innocent du meurtre dont il était accusé fait référence au fait qu'il ait dû faire saigner ses bleus pour convaincre de l'importance de ses blessures.

En 1982, la chorégraphe belge Anne Teresa De Keersmaeker crée le troisième mouvement de Fase sur "Come Out" en présentant un duo de danseuses assises et répétant des gestes violents des bras et du tronc en utilisant le même processus de phasage/déphasage que celui musical de Reich. L'ensemble Fase constituant depuis une pièce majeure de la danse contemporaine.

https://www.youtube.com/watch?v=ouYiTiiY3vg


1966 : MELODICA
(pour bande magnétique)

Un rêve de Steve Reich est à l'origine de la pièce. Le 22 mai 1966, Reich songe à un motif mélodique en dormant, compose et exécute la pièce sur un mélodica (en raison de sa tessiture qui est la plus proche de celle de la musique rêvée) et l'enregistre sur bande magnétique, le tout en un seul jour. La structure rythmique est identique à celle de Come Out.

La pièce n'a été que peu jouée et est peu connue, mais elle a la particularité d'être la première composée par Steve Reich pour un réel instrument, aussi simple soit-il, et la dernière faite exclusivement pour bande magnétique. Après Melodica, Reich avouera se sentir un temps coincé dans son processus créatif avant de revenir à l'utilisation d'instruments classiques pour poursuivre ses recherches sur le phasing avec la série des Piano Phase, Violin Phase ...

https://www.youtube.com/watch?v=bcHZZKgkiWw

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1966 : REED PHASE
(pour saxophone soprano et bande magnétique)

C'est la première tentative du compositeur d'appliquer la technique de phasing à un instrument, et non plus à une bande magnétique. L'œuvre est considérée par Reich comme ratée, et est depuis mise à l'écart de ses listes d'œuvres importantes et est peu jouée.

https://www.youtube.com/watch?v=W2-WLy_Oufw

1967 : PIANO PHASE

Elle fait partie des premières œuvres importantes du compositeur et constitue une avancée technique majeure dans sa carrière. Écrite pour deux pianos (ou une bande magnétique et un piano) et également transcrite pour deux marimbas, elle constitue la toute première œuvre purement instrumentale de musique de phase de Reich qui jusqu'alors n'avait utilisé que des bandes magnétiques pour réaliser les processus de phasing qu'il venait de mettre en application. Donnée en création le 17 mars 1967, cette œuvre constitue la base théorique de sa période dite de « minimalisme de jeunesse » basé uniquement sur le déphasage et le rythme qui nourriront ses créations jusqu'en 1971 avec la pièce Drumming.

En 1982, la chorégraphe belge Anne Teresa De Keersmaeker crée le premier mouvement de Fase sur Piano Phase en dansant avec Michèle Anne De Mey un pas de deux qui pose sur cette musique les prémices de son langage chorégraphique propre. L'ensemble Fase constitue depuis une pièce majeure de la danse contemporaine.

https://www.youtube.com/watch?v=AnQdP03iYIo (piano)
https://www.youtube.com/watch?v=RTke1tQztpQ (ballet)

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1967 : VIOLIN PHASE

Violin Phase fait suite à Piano Phase qui fut sa première composition répétitive pour instrument utilisant le phasage/déphasage. Steve Reich considère que Violin Phase est «une expansion et un raffinement de Piano Phase». Toutefois Violin Phase représente une évolution par rapport à la pièce fondatrice de la série puisqu'elle rend plus perceptible pour l'auditeur les «motifs résultants» générés par le principe de phasing des quatre voix, bien que non écrits sur la partition. La pièce est composée pour un violon solo et trois violons enregistrés sur bande magnétique mais doit être préférablement jouée par quatre violons en direct afin de renforcer la densité de la texture et du contrepoint.

L'œuvre commence par la répétition d'un court thème au violon, à laquelle s'ajoute le même motif décalé d'une note en avant, joué soit par un second puis un troisième violon, soit par une bande magnétique pré-enregistrée. La perception de ces motifs résultants est différente d'un auditeur à l'autre selon son attention sur une ligne mélodique dédiée ou sa focalisation acoustique sur un plan sonore donné à la manière des perceptions visuelles des jeux d'illusions optiques.

En 1982, la chorégraphe belge Anne Teresa De Keersmaeker crée le deuxième mouvement de Fase sur Violin Phase en dansant le seul solo de l'œuvre où elle posera les bases de son langage chorégraphique notamment avec l'utilisation de la spirale.

https://www.youtube.com/watch?v=1C6Q-8znAA4 (violon solo et bande magnétique)
https://www.youtube.com/watch?v=GF479y9Gsr8 (4 violons)
https://www.youtube.com/watch?v=i36Qhn7NhoA&list=PLESwhsSRdtDFOUVc-uHDYvmOj6aaGuIj8&index=46 (ballet)


1967 : MY NAME IS

Cette pièce pour bande magnétique fait suite à Buy Art, Buy Art, courte pièce expérimentale fruit d'une commande d'une galeriste de Philadelphie, dont Reich adapte le procédé et le formalise en en faisant la transcription musicale. My Name Is est constitué d'enregistrements des noms des personnes du public, qui sont ensuite remixés, mis en boucles, et déphasés les uns par rapport aux autres.

https://www.youtube.com/watch?v=IC1wwCYeaq4

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1968 : PENDULUM MUSIC

Conçue pour microphones, amplificateurs, enceintes et exécutants, il s'agit d'une installation musicale pour microphones animés d'un mouvement de balancier, tel un pendule, au-dessus d'enceintes créant avec un certain degré d'aléatoire un effet de phasing.

C'est une pièce à part, dans le sens où il s'agit plus d'une installation sonore que d'une composition musicale à proprement parler. Elle est la continuation des toutes premières expérimentations sonores de Reich sur le déphasage de bandes magnétiques réalisées avec les pièces It's Gonna Rain (1966) et Come Out (1967), mais effectuée de manière ici plus grossière. Elle résulte de la découverte fortuite par Reich du son produit par un micro ant devant des enceintes, alors que le compositeur jouait avec le micro comme un lasso.

https://www.youtube.com/watch?v=fU6qDeJPT-w

1969 : PULSE MUSIC

Pulse Music sous-titré for "Phase Shifting Pulse Gate" est une œuvre pour instruments mécaniques et ordinateurs unique dans le répertoire de Reich car elle impliquait le développement, la conception et l'assemblage d'une machine électronique sur mesure, appelée porte d'impulsion à décalage de phase.

Après avoir composé en 1967 une série de pièces révolutionnaires utilisant le phasing, Steve Reich décide d'explorer ce procédé au-delà des limites de la bande magnétique et de la performance live en expérimentant avec l'instrumentation électronique. À cette fin, avec l'aide de deux ingénieurs des Laboratoires Bell, Larry Owens et David Fluke, Reich crée le Phase Shifting Pulse Gate, une sorte de séquenceur manuel spécialement conçu pour faciliter la technique du phasing. Malgré un an et demi consacré au développement du Pulse Gate, Reich se montre rapidement insatisfait de sa nature mécanique et sans vie et décide de revenir à une instrumentation plus dépendante de l'interprète. Cette pièce, ainsi que son pendant « Four Log Drums », ont depuis été abandonnées par Reich.

https://www.youtube.com/watch?v=XVSNV9EGB3s

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1969 : FOUR LOG DRUMS

Juste avant la composition de Four Log Drums, Reich a utilisé la précision du Phase Shifting Pulse Gate pour composer Pulse Music, une œuvre sans interprètes, hormis la personne aux commandes du Pulse Gate. Les sons étaient générés par de multiples oscillateurs d'ondes, dont les hauteurs étaient transmises à l'amplificateur via le Pulse Gate selon des motifs rythmiques contrôlés. Le même principe était utilisé pour Four Log Drums, mais au lieu d'envoyer des ondes sinusoïdales à travers le Pulse Gate, l'opérateur envoyait des signaux rythmiques via le Pulse Gate à deux percussionnistes. Chacun jouait une paire de log drums à hauteurs définies, synchronisée avec les rythmes entendus dans ses écouteurs, décalant la phase des motifs selon les manipulations de l'opérateur du Pulse Gate. Alors que Pulse Music consistait en un accord dont les hauteurs constitutives se déployaient progressivement en une ligne mélodique, Four Log Drums commence par une ligne mélodique progressivement comprimée, par phasage rythmique, en un seul accord.

Lors des répétitions de Four Log Drums, Reich remarqua que, même si le Phase Shifting Pulse Gate indiquait le moment exact d'exécution de chaque note de l'œuvre, les interprètes se fiaient moins à ce qu'ils entendaient dans leurs écouteurs qu'à ce qu'ils entendaient de l'autre instrumentiste pour créer les motifs complexes et les déphasages indiqués dans la partition. Par conséquent, après la première de Four Log Drums et Pulse Music, Reich abandonna définitivement le Phase Shifting Pulse Gate. Les œuvres suivantes laissèrent le contrôle du phasage aux musiciens.

1970 : FOUR ORGANS

Four Organs est un des premiers essais de Steve Reich pour s'affranchir de son principe de phasage/déphasage développé à la fin des années 1960. Il compose alors une œuvre pour orgues électriques expérimentant l'expansion des notes, à un moment où lui-même est influencé par les travaux similaires de Pérotin datant du XIIe siècle. Ce principe se retrouvera avec une richesse beaucoup plus poussée dans Music for 18 Musicians (1976).

En 2008, Anne Teresa De Keersmaeker compose une chorégraphie originale sur Four Organs qui constitue le troisième mouvement du spectacle consacré à la musique de Reich et intitulé Steve Reich Evening.

https://www.youtube.com/watch?v=TYqs3NHCrlE

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1970 : PHASE PATTERNS

Presque immédiatement après avoir terminé Four Organs, Steve Reich a composé une autre pièce pour quatre orgues électriques, Phase Patterns. Dans cette pièce, les interprètes jouent de la batterie sur leurs claviers. Chaque main joue certaines notes tout au long du morceau, alternant seulement gauche, droite, gauche, gauche, droite, gauche, droite, droite, ce qui, dans la percussion rudimentaire occidentale, s'appelle un paradiddle.

L'idée de jouer de la batterie au clavier lui est venue de ses études de percussion rudimentaire à l'adolescence. Il en résulte une nouvelle approche du clavier. On peut considérer les instruments à clavier comme des ensembles extraordinaires de tambours accordés.

1970-1971 : DRUMMING

Cette œuvre, divisée en quatre parties, marque la fin de la musique de Steve Reich fondée uniquement sur de purs processus de phasage/déphasage entamés avec It's Gonna Rain en 1965. Elle est à ce titre la plus complexe et la plus aboutie, mais peut-être aussi la plus austère.

Drumming a été composée après le voyage au Ghana que Reich effectua durant l'été 1970 pour étudier les percussions africaines. Basé sur le processus de déphasage graduel que Reich utilise depuis 1965, Drumming marque pour le compositeur la fin d'une écriture seulement basée sur ce principe. Dès 1972, il travaillera à d'autres principes d'écriture, avec un retour notamment à la mélodie.

L'ensemble de l'œuvre est basée sur un seul motif rythmique de huit notes jouées à des hauteurs et des timbres différents et soumis à des changements de phase. La première partie est écrite pour bongos accordés mais montés sur et joués avec des baguettes. La seconde l'est pour trois marimbas et marimbaphone et deux voix de femmes. La troisième partie est composée pour trois glockenspiels et un piccolo agrémentée de sifflements. La quatrième partie est pour tous les instruments qui sont accordés selon la gamme diatonique tempérée occidentale.

https://www.youtube.com/watch?v=uDhwFTw4VnI

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1972 : CLAPPING MUSIC

Clapping Music est une œuvre de battements de mains ou d'applaudissements. Elle fait suite aux premiers développements de Reich pour les processus de phasing théorisés dans Piano Phase et Violin Phase. Steve Reich souhaitait réaliser dans le même style une pièce ne nécessitant pas d'instruments de musique autres que le corps humain, mais aussi en raison de considérations pratiques d'encombrement des instruments lors des tournées. Inspiré par une troupe de flamenco, il entreprend alors l'écriture de cette pièce. Décidé au départ à utiliser un processus de phase, il se rend compte de son inefficacité pour les applaudissements. Il contourne le problème en laissant un exécutant avoir une partie fixe, tandis que le deuxième se décale abruptement d'un temps, après un certain nombre de répétitions définies à l'avance. Son exécution dure environ 4 minutes.

https://www.youtube.com/watch?v=EYJo27ibtF4

1973 : MUSIC FOR PIECES OF WOOD

D'après Reich, l'inspiration de la pièce était, comme pour Clapping Music, de réaliser une œuvre utilisant des instruments de musique les plus élémentaires possibles, ici de simples claves. La pièce est composée de trois sections enchaînées, sur le modèle de Piano Phase : chaque partie explore un motif spécifique.

L'un des percussionnistes joue tout du long la pulsation (à la noire). L'un des autres percussionnistes joue le motif de la section durant toute la section, tandis que les trois autres vont construire le même motif (mais décalé pour deux d'entre eux) en ajoutant sur chaque nouvelle mesure une « note » – battement – supplémentaire. Le premier motif est le même que celui de Clapping Music. Il dure six temps. Le second motif dure quatre temps et le troisième trois temps. Son exécution dure de 5 à 10 minutes.

https://www.youtube.com/watch?v=i4JQD0cy87I

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1973 : MUSIC FOR MALLET INSTRUMENTS, VOICES AND ORGAN

Cette œuvre de Steve Reich marque un léger tournant dans sa technique de composition qui introduit pour la première fois des changements d'harmonies, et non plus seulement de rythmes. À ce titre, le compositeur la considère comme une étape importante et préparatrice de l'écriture de Music for 18 Musicians composée trois ans plus tard. La pièce est écrite pour deux glockenspiels, quatre marimbas, un metallophone, trois voix féminines (deux sopranes, une contre-alto), et orgue numérique. Elle se compose de quatre sections jouées attacata. Son exécution dure de 17 à 20 minutes. Chacune des parties est dans une tonalité et métrique particulière.

https://www.youtube.com/watch?v=dznCUBzKlMM

1973 SIX PIANOS

Cette pièce est représentative de la musique de phase. La pièce débute avec quatre pianistes jouant des notes différentes sur un même motif rythmique à huit temps. Puis deux autres pianistes se mettent à jouer le même motif décalé de deux temps. Différents déphasages des mêmes motifs apparaissent et disparaissent progressivement de la texture musicale en constante évolution tout au long de la pièce. La pièce utilise également la technique additive consistant à construire progressivement des parties en remplaçant des notes par des silences, et inversement. Six Pianos se distingue également par le fait qu'il s'agit de l'une des seules pièces de Reich en mesure binaire.

https://www.youtube.com/watch?v=1bVN4BeXJVI

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1976 : MUSIC FOR 18 MUSICIANS

Cette œuvre est considérée à la fois comme l'une des pièces maîtresses du compositeur notamment de sa période dite de « minimalisme mature » et comme une œuvre essentielle de la musique contemporaine, en particulier de la musique minimaliste.

La pièce se caractérise par son rythme régulier, son énergie rythmique et son instrumentation. Elle comprend quatre voix de femmes, quatre pianos, trois marimbas, deux xylophones, un métallophone (un vibraphone sans moteur), un violon, un violoncelle et deux clarinettes doublant une clarinette basse. La structure de la pièce repose sur un cycle de 11 accords, joués au début et à la fin.

Cette œuvre qui devait au départ s'intituler Music for 21 Musicians a été composée par Steve Reich après deux étés successifs és à étudier la musique balinaise, et plus particulièrement le gamelan auprès de Bob Brown à Seattle. Elle marque, dans la carrière jusque-là relativement confidentielle du compositeur, la transition de ses premières recherches minimalistes vers une écriture harmonique modale s'articulant autour de « centres tonaux » clairement énoncés. Steve Reich nota lui-même, en 1976, que pour cette œuvre il écrivit « davantage de mouvements harmoniques dans les cinq premières minutes de Music for 18 Musicians que dans toutes les autres œuvres terminées à ce jour ».

Pendant de nombreuses années et à de très rares exceptions, l'œuvre n'est jouée en concert que par l'ensemble de Steve Reich en raison de l'absence de partition réellement complète et annotée. Son exécution reposait en grande partie sur la transmission orale de certains ages, motifs, et techniques que seuls Steve Reich et les membres de son groupe pouvaient comprendre. Ce n'est qu'en 1997 que la partition de Music for 18 Musicians est finalement transcrite et annotée précisément par Marc Mellits, un étudiant de l'Université Cornell dont la thèse portait sur l'œuvre, puis revue par le compositeur pour être publiée chez Boosey & Hawkes Music Publishers. Ceci permet désormais une plus large diffusion internationale de l'œuvre et de nombreuses exécutions par divers ensembles, dont l'Ensemble Modern qui sera la première formation non liée à Reich à jouer et enregistrer l'œuvre.

https://www.youtube.com/watch?v=ZXJWO2FQ16c

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1978 : MUSIC FOR A LARGE ENSEMBLE

Music for a Large Ensemble est une œuvre musicale composée pour un ensemble concertant d'une trentaine de musiciens et vocalistes. Elle constitue l'ultime pièce du compositeur écrite dans son style dit de « minimalisme mature » et la première composée pour un autre ensemble musical que le sien.

Cette œuvre, commandée par le Holland Festival pour le Netherlands Wind Ensemble, fait suite aux travaux orchestraux de Steve Reich développés dans deux compositions précédentes, "Music for Mallet Instruments", "Voices, and Organ" (1973) et surtout "Music for 18 Musicians" (1976). La commande ée au compositeur en 1976 s'est faite dans un contexte de questionnements personnels pour Steve Reich, qui, à cette période, éprouve le sentiment de ne plus pouvoir composer sans se répéter et d'« avoir tari la source » créatrice. Après une période d'études de ses racines hébraïques, notamment à Jérusalem en 1977, il s'applique à honorer la commande du Holland Festival en piochant dans les techniques et motifs des œuvres précédemment citées pour « assembler » Music for a Large Ensemble. L'écriture de l'œuvre sera terminée en décembre 1978 et constitue à ce jour la composition de Reich qui implique le plus grand nombre d'instruments (une trentaine) ainsi que sa première pièce écrite pour un autre ensemble que le sien.

1979 : OCTET

Octet est une œuvre musicale composée en 1979 mais réellement achevée en 1983 pour un ensemble concertant de seize musiciens. Octet pour un ensemble concertant de huit musiciens est en fait la première version d'Eight Lines (1983). Octet se situe dans l'œuvre de Reich dans la lignée de "Music for a Large Ensemble" composée de manière presque contemporaine mais laissant apparaître les premières influences de la cantillation hébraïque qu'il a étudié les deux années précédentes.

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1979 : VARIATIONS FOR WINDS, STRINGS & KEYBOARDS

Dans sa version pour ensemble concertant, la pièce est jouée par trois flûtes, trois hautbois, trois trompettes, trois trombones, un tuba, deux pianos, trois orgues électriques, deux violons, un alto, un violoncelle, une contrebasse. Cette pièce est considérée comme étant la première du compositeur utilisant des principes théoriques de la musique occidentale, notamment en termes de cycles et progressions harmoniques ainsi que de structure avec l'utilisation de la forme de la chaconne, qui annonceront les changements stylistiques de ses œuvres des années 1980.

Son exécution dure 21 minutes.

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1981 : TEHILLIM

Tehillim (« Psaumes » en hébreu) marque une évolution importante dans le langage de Steve Reich, avec l'abandon des répétitions et d'une métrique fixe, pour une mise en musique de textes hébraïques.

Après les années 70, où il a exploré les nombreuses possibilités de la musique minimaliste et de la musique de phase pour lesquelles il s'est rendu célèbre, il décide alors d'orienter son écriture vers une nouvelle direction : celle des textes mis en musique. Tehillim qui marque ce changement de direction est également le résultat de sa redécouverte de son héritage juif, notamment des textes sacrés.

C'est sa première pièce écrite spécialement pour voix et elle ouvrira dès lors une large suite de compositions similaires dans l'œuvre du compositeur. Tehillim est la première partition dans laquelle il n'utilise pas de motifs répétitifs, qui constituaient la technique de composition caractéristique depuis 1965. La pulsation persiste mais les phrases austères ou mélodiques répétitives ne sont plus utilisées.

Les psaumes, chantés en hébreu, utilisent l'expansion de la musique et s'écoulent de manière linéaire au sein d'un langage harmonique beaucoup plus chromatique (notamment dans le troisième mouvement). Le rythme lui-même n'est plus aussi rigide et subit de nombreuses variations pratiquement à chaque mesure, afin de respecter la déclamation de l'hébreu. C'est le texte et sa déclamation qui dictent le rythme de la composition. Le respect du texte est d'ailleurs la raison principale qui a conduit Reich à ne pas utiliser le principe de répétition habituel, poussé en cela par son intuition musicale.

1982 : VERMONT COUNTERPOINT

Cette œuvre est une commande du flûtiste Ransom Wilson qui, dans un premier temps, demanda à Steve Reich de lui écrire un concerto pour flûte et orchestre. Reich refuse, invoquant son principe de ne pas écrire d'œuvre pour instrument et orchestre, mais lui propose une pièce pour flûte et bandes magnétiques dans l'esprit de Violin Phase.

Vermont Counterpoint est une pièce écrite initialement pour dix instruments à vent pré-enregistrés sur bande magnétique comprenant 3 flûtes alto, 3 flûtes, 3 piccolos, et une flûte solo jouant avec un flûtiste solo en direct. Bien que composée pour un soliste et un enregistrement, l'œuvre peut être interprétée par 11 flûtistes. Le soliste joue l'œuvre alternativement avec une flûte, une flûte alto, un piccolo en créant des contrepoints en relation avec la musique enregistrée sur bande.

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1983 : EIGHT LINES

Octet, composée en 1979 pour un ensemble concertant de huit musiciens est la première version d'Eight Lines. L'œuvre commandée par la radio de Francfort et terminée en avril 1979, se situe dans l'œuvre de Reich dans la lignée de Music for a Large Ensemble composée de manière presque contemporaine mais laissant apparaître les premières influences de la cantillation hébraïque qu'il a étudié les deux années précédentes.

En 1983, Steve Reich adapte donc Octet en une œuvre très similaire, Eight Lines, qui double la section des cordes avec deux quatuors à cordes facilitant son exécution et enrichissant les lignes mélodiques.

En 2008, la chorégraphe belge Anne Teresa De Keersmaeker compose la seconde partie de son spectacle Steve Reich Evening sur la composition Eight Lines en reprenant de nombreux éléments chorégraphiques issus de Rain, un précédent ballet datant de 2001.

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1984 : THE DESERT MUSIC

Composé trois années après Tehillim qui fut la première de ses œuvres intégrant des voix, The Desert Music est conçu pour un chœur complet et est devenu l'une des pièces de Reich les plus jouées et les plus souvent enregistrées. Cette œuvre est basée sur une sélection de poèmes de l'Américain William Carlos Williams, l'un des poètes favoris de Steve Reich qui l'a découvert à 14 ans, d'après son recueil homonyme de poèmes The Desert Music and Other Poems (1954). L'utilisation du mot Desert est en relation avec trois lieux qui ont influencé Reich : le désert du Sinaï qui a vu la fuite des juifs d'Égypte, le désert de Judée dans lequel Jésus se retire et a ses visions, et enfin le désert de White Sands au Nouveau-Mexique où fut mis au point les armements atomiques américains. Le mot Desert est également en lien direct avec les terres ravagées par les bombardements atomiques de Hiroshima et Nagasaki en 1945.

The Desert Music est écrite pour un chœur de 27 voix composé de neuf sopranos, six altos, six ténors et six basses. L'orchestre est constitué de 89 musiciens. Cet orchestre est particulièrement important pour une composition de Reich et constitue probablement le plus gros mis en œuvre par le compositeur.

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1985 : NEW YORK COUNTERPOINT

Cette pièce en trois mouvements est écrite pour un clarinettiste soliste concertant contre une bande magnétique constituée d'enregistrements de dix clarinettistes afin de former différents canons. Elle est également fréquemment interprétée par des ensembles de onze clarinettistes. Son exécution dure environ douze minutes. Du fait de sa structure et de son instrument d'interprétation, c'est l'une des pièces de Steve Reich les plus interprétées en concert.

1985 : MARIMBA PHASE

D'une durée de 15 à 20 minutes, cette œuvre pour deux marimbas, est adaptée par le compositeur de l'oeuvre "Piano Phase" pour deux pianos écrite en 1967.

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1985 : SEXTET

Sextet a été écrit pour deux pianos, deux synthétiseurs, trois marimbas, deux vibraphones, deux grosses caisses, un tam-tam, un crotale et des baguettes. Si les musiciens ne sont pas capables de doubler certains instruments, Reich propose simplement d'ajouter des musiciens, le sextet ant alors à un octet.

Cette pièce fait suite à The Desert Music composée juste avant et à laquelle elle emprunte l'harmonie et la structure générale en arche ABCBA. Elle est également dans la lignée de Drumming qui constitue le travail séminal du compositeur pour ces ensembles de percussions basés sur des idiophones.

1986 : SIX MARIMBAS

Six Marimbas est une transcription pour marimbas de l'oeuvre "Six Pianos" (1973) faite par Steve Reich lui-même en 1986, selon la suggestion de James Preiss, un membre de son ensemble.

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1986 : THREE MOVEMENTS

L'écriture de Three Movements est à rapprocher de sa précédente composition pour orchestre, The Desert Music, de 1984. L'influence stylistique et organisationnelle de l'orchestre de cette œuvre se retrouve dans Three Movements, notamment avec la partition, la disposition et le poids de chaque groupe d'instruments.

Le premier mouvement reprend de manière similaire l'ouverture de The Desert Music; le second est essentiellement une réorchestration du quatrième mouvement de Sextet (1985); et le troisième mouvement utilise des idées précédemment développées dans le dernier mouvement de Sextet et dans New York Counterpoint (1985).

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1987 : THE FOUR SECTIONS

Le concerto "The Four Sections" fut suggéré par Michael Tilson Thomas lors d'une conversation qu'il a eue avec Steve Reich en 1986. Hésitant dans l'écriture d'une telle pièce qui ne correspondait pas formellement à ses goûts et idées de compositeur, notamment quant à la confrontation du soliste avec l'orchestre, Reich se laisse convaincre lorsque le chef d'orchestre lui propose d'écrire successivement pour les différentes sections qui composent l'orchestre et non pour un instrument unique.

L'exécution de l'œuvre dure environ 26 minutes. Le titre réfère aux quatre sections de l'orchestre, mais aussi aux quatre parties de l'œuvre et aux quatre parties harmoniques qui la composent. Le premier mouvement est initié par les premiers violons en trois contrepoints rets par les seconds violons et les altos puis par les violoncelles au moment de l'introduction des instruments à vent créant ainsi un ensemble à neuf voix amples et distinctes. Le second mouvement débute de manière abrupte par les vibraphones auxquels se joignent immédiatement deux pianos puis les percussions. Bien que de tempo lent comme le premier mouvement, le second par contraste est très angulaire et rythmé dans son écriture contrairement à l'amplitude douce des cordes du précédent. Le court deuxième mouvement est suivi attacato par l'introduction du hautbois dans le troisième mouvement pour instruments à vent et cuivres. Plus rapide, ce mouvement est divisé en quatre sections harmoniques dédiées à chaque groupe d'instruments. La première section est un trio de hautbois, la seconde de clarinettes, la troisième est double avec les clarinettes et les trompettes, et la dernière s'accélérant est écrite pour un trio de flûtes, clarinettes soutenus par les trompettes et la section des cordes. Le quatrième mouvement, le plus rapide de l'œuvre, regroupe l'ensemble de l'orchestre dans une écriture rythmique et pulsative caractéristique du style du compositeur.

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1987 : ELECTRIC COUNTERPOINT

Cette œuvre est née de la commande de la Brooklyn Academy of Music de NY d'une composition pour le guitariste de jazz Pat Metheny. L'œuvre est pré-enregistrée pour 10 guitares électriques et 2 guitares basses, le musicien jouant la onzième guitare en direct contre la bande. Les techniques reprennent les principes de pulsation développés par Reich depuis 76, sans décalage de phase, et de canon à plusieurs voix (de 3 à 8).

1988 : DIFFERENT TRAINS

Avec cette œuvre, Steve Reich met en parallèle son expérience de très jeune enfant de parents divorcés — dont le père vit sur la côte est des États-Unis à NY et la mère sur la côte ouest à LA et qui devait fréquemment de 1939 à 1942 prendre le train pour aller d'une ville à l'autre au cours d'un voyage de 3 jours —, avec la mémoire des déportés d'Europe convoyés dans les trains vers les camps de concentration. Steve Reich sous-entend que s'il avait vécu en Europe à cette époque, en tant qu'enfant juif, ce sont ces « trains bien différents » qu'il aurait probablement dû prendre.

C'est la première pièce de Reich utilisant le discours parlé comme matériau musical, depuis "Come Out" en 67. Cette pièce constitue en revanche une nouveauté dans l'écriture de Reich qui utilise pour la première fois des enregistrements d'entretiens réalisés pour l'œuvre, et non de simples bandes magnétiques retravaillées, comme matériau musical. Il réutilisera fréquemment cette approche spécifique de « mélodie du discours » dans ses œuvres ultérieures telles que The Cave, City Life, Three Tales ou Daniel Variations, initiant ainsi un nouveau style de documentaire musico-théâtral qu'il affectionnera dès lors pour certaines de ses compositions.

Pour cette pièce, le compositeur alterne, en 3 mouvements, bruitages évoquant les trains (sirènes, crissements), modifications de cordes et enregistrements de témoignages familiaux et historiques des témoins de cette époque. La composition utilise en partie le concept de répétition, marque de ses œuvres. Un des principes de base de la composition est l'imitation par le quatuor de la mélodie du discours des personnes interviewées. Il transpose la musique des voix enregistrées en notation musicale qu'il donne à jouer au quatuor à cordes en 4 partitions différentes. Le montage est alors effectué grâce à des samplers sur les enregistrements pour donner l'œuvre finie. Cette œuvre a remporté le Grammy Award de la meilleure composition de musique classique contemporaine en 89

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1993 : THE CAVE

L'œuvre, qui est le premier « opéra » de Steve Reich, est une commande de l'opéra de Francfort et du Holland Festival. La période de composition et de maturation de l'œuvre est l'une des plus longues de Reich puisqu'elle s'étend sur quatre ans. Il décide avec sa compagne Beryl Korot d'y inclure des éléments vidéos synchronisés, ce qui est alors l'une des premières créations de ce genre.

Cette œuvre est un triptyque autour des questions religieuses sur les origines des personnages centraux de l'Ancien Testament. Steve Reich et Beryl Korot posent les questions : Qui est Abraham ? Qui est Sarah ? Qui est Ismaël ? successivement à un Israélien, un Palestinien, et un Américain, sur le lieu saint commun aux trois religions du Livre, Jérusalem.

La pièce est composée pour quatre solistes : deux sopranos solos, un ténor solo, un baryton solo et un ensemble de 10 à 25 instruments dont une flûte (aussi hautbois et cor anglais), une clarinette (aussi clarinette basse), quatre percussions, un piano, un synthétiseur, un piano midi, deux violons, un alto, un violoncelle, un dispositif multimédia (vidéo, lumières). À cela s'ajoute la fréquence de résonance du tombeau d'Hébron, qui est le bruit de fond du lieu de prière.

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1993 : DUET

La pièce est composée pour deux violons solistes concertant avec un octuor de quatre altos, trois violoncelles et une contrebasse. Son exécution dure de 5 minutes.

1994 : NAGOYA MARIMBAS

Cette courte pièce a été commandée par le conservatoire de musique de la ville de Nagoya au Japon pour l'inauguration de sa nouvelle salle, le Shirakawa Hall. Nagoya Marimbas est une œuvre en un seul mouvement reprenant les techniques de décalage de phase développées par Reich dans les années 1970. Dans cette pièce, les motifs sont cependant plus développés mélodiquement, et changent plus fréquemment, ce qui rapproche Nagoya Marimbas des œuvres plus récentes du compositeur. La pièce est aussi beaucoup plus difficile à jouer. Son exécution dure environ cinq minutes.

Il existe aussi une transcription pour guitares sous le titre Nagoya Guitars.

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1995 : CITY LIFE

Élaborée autour des bruits de la ville de New York aux États-Unis, elle est une des œuvres les plus connues de Steve Reich. City Life (qui se traduit par « Vie urbaine ») est une commande de l'Ensemble Modern, du London Sinfonietta et de l'Ensemble intercontemporain. L'œuvre repose sur l'idée, présente dans les compositions de Reich depuis 1965, d'utiliser les bruits de la ville de New York, comme rythmique de composition. Cependant, contrairement à des œuvres plus anciennes, comme Different Trains ou The Cave les sons ne sont pas joués par une bande magnétique, mais sont pré-enregistrés et échantillonnés par des claviers et joués en direct. Steve Reich est allé enregistrer dans les rues de la ville les bruits de klaxons de voiture, d'alarme, de freins, de sirènes de pompier et de police, de manifestations, mais aussi des sonorités du port de New York ... identifiant immédiatement l'univers sonore d'une grande ville américaine et de New York en particulier. À cela s'ajoute l'enregistrement de voix et les échanges radio entre les pompiers de New York lors de l'attentat du World Trade Center de 1993, communiqués à Reich par les pompiers eux-mêmes.

1995 : PROVERB

Il s'agit de l'une des seules pièces que Reich ait composée autour de l'écriture pour voix et chant quasiment a cappella. Cette œuvre a été suggérée à Steve Reich par le chef de chœur et baryton Paul Hillier, auquel elle est dédiée, et qui collaborait à cette époque avec le compositeur notamment sur The Cave (1994). Elle s'inspire de l'étude de la musique polyphonique du Moyen Âge et en particulier des œuvres de Pérotin, compositeur et chef de file de l'École de Notre-Dame de Paris aux XIIe et XIIIe siècles, dont Steve Reich utilise l'organum Viderunt omnes comme source précise d'inspiration.

Proverb est composée pour trois sopranos, deux ténors, deux vibraphones et deux orgues électriques. Elle s'articule autour d'un mouvement unique déclinant une phrase du philosophe autrichien Ludwig Wittgenstein. Cette courte phrase, tirée du livre Culture and Value (1946) : « How small a thought it takes to fill a whole life - Comme il suffit d'une petite pensée pour remplir toute une vie ! ».

Les voix débutent a cappella avant d'être doublées par les orgues créant en outre les harmonies et renforçant les phénomènes de scintillations et résonances acoustiques. Les percussions interviennent après la troisième minute, pour exécuter les groupes rythmiques, autour desquelles se dévelop

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1998 : TRIPLE QUARTET

Triple Quartet est une œuvre musicale composée pour un quatuor à cordes traditionnel et deux bandes enregistrées ; ou trois quatuors à cordes (douze musiciens) ; ou une section orchestrale de cordes (36 musiciens). Triple Quartet est une commande du Fonds national américain pour les arts pour le Kronos Quartet auquel il est dédicacé.

Reich compose ce quatuor avec pour source d'inspiration le Quatrième Quatuor à cordes de Béla Bartók et le Deuxième Quatuor à cordes d'Alfred Schnittke, essentiellement du point de vue de l'énergie musicale pour Bartók et de la densité musicale pour Schnittke, car il n'y est fait aucune référence formelle. La pièce est classiquement interprétée par un quatuor et deux bandes enregistrées bien qu'elle soit fréquemment jouée par trois quatuors et plus rarement par une section orchestrale.

1999 : KNOW WHAT IS ABOVE YOU

Composée d'un mouvement unique de trois minutes, Know What Is Above You est écrite pour un ensemble de voix solistes de trois sopranos et un contralto solo, et de deux percussions.

https://www.youtube.com/watch?v=oDhb44PfNZ8

2000 : TOKYO/VERMONT COUNTERPOINT

Tokyo/Vermont Counterpoint est l'adaptation de Vermont Counterpoint (1982) pour marimbas MIDI, réalisée par la percussionniste japonaise Mika Yoshida.

Différents arrangements pour percussions de cette œuvre avaient été tentés sans succès probants jusqu'à ce que la percussionniste japonaise Mika Yoshida utilise des marimbas électroniques pour l'exécution permettant ainsi de raccourcir la durée des notes et d'éliminer les harmoniques comme pour la version originale écrite pour différents types de flûtes.

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2000 : ELECTRIC GUITAR PHASE

Electric Guitar Phase est une version transposée pour quatre guitares électriques de Violin Phase. Il s'agit essentiellement d'une transposition en ré mineur réalisée en 2000 par Dominic Frasca et Steve Reich. L'initiative de cette démarche revient au guitariste Dominic Frasca qui propose en 2000 à Reich d'adapter l'œuvre pour son instrument. Ce dernier séduit par la proposition travaille en étroite relation avec Frasca pour réaliser la transposition et choisir les motifs principaux.

Electric Guitar Phase procède du même principe de phasage/déphasage que l'œuvre originale. Une guitare joue le motif simple de notes avant qu'une seconde guitare vienne reprendre le même motif à l'unisson, puis, petit à petit, accélère la vitesse d'exécution du motif de façon à glisser d'un huitième de note en avant de la première guitare. À cela s'ajoute tout au long de la pièce les deux autres guitares jouant dans différents rythmes et phases, créant la musique canonique particulière caractéristique des œuvres des années 1960 de Steve Reich.

2002 : THREE TALES

C'est la deuxième collaboration aboutie du couple Reich/Korot, après "The Cave" composée en 1993. Pour les deux artistes les progrès techniques au XXème siècle apparurent comme devant être le thème central de l'œuvre dont le projet d'écriture démarra vers 1994. Les deux premiers contes, s'imposèrent rapidement à Reich et Korot, et ce fut l'annonce du clonage de Dolly en 1997 qui donna matière immédiate à la fin de l'écriture du triptyque. La partie Hindenburg fut donnée de manière individuelle en 1998, puis fut amputée d'une section sur Hitler et l'autodafé de livres que Reich trouvait trop pesante.

Cette œuvre collaborative est difficilement classable. Ce n'est pas exactement un opéra, mais pourrait se rapprocher d'une forme de théâtre musical, avec un vidéo proche de la performance. C'est surtout une manière de conte philosophique et historique mettant en perspective trois avancées technologiques symboliques du XXe siècle (le dirigeable Hindenburg, en 1937 ; les essais nucléaires américains sur l'atoll de Bikini de 1946 à 1958; et le premier clonage mammifère de la brebis Dolly en 1996) avec trois moments de l'histoire moderne dont les deux premiers sont associés à des conséquences tragiques (la Seconde Guerre mondiale et la Guerre froide). La balance entre les bénéfices et les inconvénients des avancées technologiques est au cœur de Three Tales.

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2002 : DANCE PATTERNS

Cette œuvre a été composée par Steve Reich pour la chorégraphe belge de danse contemporaine Anne Teresa De Keersmaeker qui avait beaucoup utilisé depuis une vingtaine d'années les pièces de Reich pour ses propres créations. Il décida donc d'écrire cette pièce que De Keersmaeker utilisa comme d'une des dix chorégraphies constituant Counter Phrases en 2003.

Dance Patterns est composé d'un mouvement unique de structure en arche fast/slow/fast dans un style proche de Octet. L'œuvre est écrite pour deux pianos, deux vibraphones, deux xylophones. Son exécution dure environ sept minutes.

2003 : CELLO COUNTERPOINT

Cette pièce est d'une nature différente des autres « Counterpoints » créés par Reich. Cello Counterpoint est composée en référence au Quatrième quatuor de Belá Bartók. L'œuvre est constituée de trois mouvements classiques chez Steve Reich : Fast - Slow - Fast

Pièce initialement composée pour violoncelle seul, il existe également une version pour huit instruments. L'exécution de Cello Counterpoint dure environ 12 minutes.

2004 : YOU ARE (VARIATIONS)

You Are est écrit pour voix, trois sopranes, une alto, deux ténors et un ensemble constitué de deux flûtes, un hautbois, un cor anglais, trois clarinettes, quatre pianos, deux marimbas, deux vibraphones, et des cordes. Les textes sont issus d'écrits religieux juifs (talmud, psaumes, textes du rabbin Nahman de Bratslav) et du philosophe allemand Ludwig Wittgenstein pour le troisième mouvement. Une fois énoncés, ils seront repris selon de nombreuses et différentes variations. L'exécution de You Are (Variations) dure environ 27 minutes.

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2005 : VARIATIONS FOR VIBES, PIANOS AND STRINGS

Variations for Vibes, Pianos, and Strings est une œuvre musicale composée pour un ensemble comprenant trois quatuors à cordes, deux pianos et quatre vibraphones. Cette œuvre a été composée par Reich dans la volonté de renouer avec une partie de son écriture caractéristique des années 1980, dans l'esprit d'une œuvre comme "The Four Sections" (1987).

2006 : DANIEL VARIATIONS

Il s'agit d'une œuvre très particulière de Steve Reich, écrite en 2006, à la demande de la Fondation Daniel Pearl en association avec le Barbican Centre de Londres, le Carnegie Hall de New York, la Cité de la musique de Paris et la Casa da Música de Porto. Elle a été composée en mémoire de Daniel Pearl, un jeune journaliste américain du Wall Street Journal d'origine juive, capturé et tué par des fondamentalistes musulmans au Pakistan en 2002 qui fut forcé de faire une déclaration sur vidéo avant d'être immédiatement décapité ; la vidéo fut ensuite diffusée dans le monde où elle provoqua une vive émotion.

Les mouvements sont uniquement constitués des paroles du Livre de Daniel pour le premier (Daniel 4:5) et le troisième (Daniel 4:19), et les mots de Daniel Pearl pour le second et le quatrième mouvement. Ce dernier mouvement reprend par ailleurs le titre d'une musique du violoniste de jazz, Stuff Smith, qu'aimait Daniel Pearl, lui-même violoniste amateur.

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2008 : DOUBLE SEXTET

Le 20 avril 2009, Steve Reich reçoit le prix Pulitzer de musique 2009 pour cette pièce considérée comme « un travail majeur qui présente la capacité de canaliser une poussée initiale d'énergie en un événement musical de grande ampleur construit de manière contrôlée et perpétuellement intrigant pour l'oreille. ». Bien qu'heureux de ce prix national pour cette œuvre qu'il déclare diplomatiquement être l'une de ses meilleures, Steve Reich reconnaît que cela « aurait été bien de recevoir le prix Pulitzer plus tôt dans sa carrière pour Drumming, Music for 18 Musicians, Tehillim, ou Different Trains » qui, il est vrai, constituent des œuvres plus novatrices conceptuellement que Double Sextet.

2009 : 2x5

C'est une œuvre fortement inspirée par le rock, en particulier dans l'instrumentation, qui comporte quatre guitares électriques et deux basses électriques. 2×5 est une œuvre écrite pour un ensemble de cinq instruments et bande magnétique ou dix instrumentistes composés de deux batteries, deux pianos, quatre guitares électriques, deux guitares basses. Du fait de la composition de l'ensemble musical qui l'interprète, c'est-à-dire un groupe de rock, cette œuvre est souvent qualifié d'« énergique ». Son exécution dure environ 21 minutes.

La proximité de la pièce avec les compositions de rock est évidente, selon Steve Reich, en particulier à cause de l'instrumentation, mais aussi de la pulsation de la ligne de basse. La basse électrique permet à Reich d'obtenir des sons plus secs, moins résonants qu'une contrebasse. En revanche, l'utilisation de la batterie est différente de l'usage habituel du rock car elle possède dans 2×5 plusieurs couleurs différentes, et s'interrompt à plusieurs reprises.

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2009 : MALLET QUARTET

Mallet Quartet est une œuvre « reichienne classique » écrite pour un quatuor composé de deux marimbas (à cinq octaves) et de deux vibraphones, ou quatre marimbas, dont l'exécution dure environ 15 minutes.

2011 : WTC 9/11

Steve Reich — compositeur dont l'œuvre et la renommée sont directement rattachées à la ville de New York —, décide, à la demande de David Harrington l'un des membres du Kronos Quartet, d'écrire une pièce en relation avec l'attaque terroriste sur le World Trade Center (WTC) dix ans après les événements du 11 septembre 2001. L'intitulé WTC 9/11 de la composition fait référence aux tours jumelles du WTC mais aussi à la pièce World to Come du compositeur David Lang, un ami de Reich. Les attaques du 11 septembre ont été pour Steve Reich une expérience familiale douloureuse puisqu'il a vécu les événements en direct à la télévision, avec son épouse Beryl Korot, depuis leur résidence secondaire dans le Vermont, alors que leur fils Ezra, sa femme Davies et leur petit-fils Orah, occupaient ce matin-là leur appartement familial situé à quelques blocs du World Trade Center et qu'ils étaient en relation téléphonique permanente avec eux durant toute la matinée.

Composée de trois mouvements, elle inclut dans le premier des dialogues enregistrés au moment des faits entre les aiguilleurs du ciel d'une part (notamment de la NORAD et des premières preuves des détournements des avions) et les pompiers de New York d'autre part, tous disponibles maintenant sur internet, et dans le second des témoignages recueillis postérieurement par Steve Reich auprès de ses voisins du quartier de Lower Manhattan, à proximité immédiate de Ground Zero. Cette technique d'échantillonnage des voix est à rapprocher du travail antérieur du compositeur pour Different Trains datant de 1988. Le troisième mouvement est inspiré d'un rituel juif pour les morts qui consiste à réciter des prières en continu près des corps en attendant l'enterrement. Pour cela, Steve Reich fait chanter le psaume 121:8 et l'Exode 23:20 de la Bible à la violoncelliste Maya Beiser.

2011 : FINISHING THE HAT

Composée en 2011, cette pièce pour deux pianos est un arrangement par Steve Reich du thème principal homonyme de la comédie musicale Sunday in the Park with George (1984) de Stephen Sondheim. La pièce est composée d'un mouvement unique dont l'exécution dure environ quatre minutes.

https://www.youtube.com/watch?v=jcUAEr6sAzg

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2011 : PIANO COUNTERPOINT

Piano Counterpoint est un arrangement de Six Pianos (1973) pour pianiste solo et bande magnétique, réalisé par Vincent Corver en 2011. Quatre des six parties de piano sont préenregistrées et les deux dernières sont combinées en une seule partie plus virtuose, jouée en direct. Pour que ces deux dernières parties soient interprétées par un seul pianiste, il a fallu déplacer certains motifs mélodiques d'une octave vers le haut, conférant à la pièce un éclat et une intensité accrus. L'amplification du pianiste et la restitution préenregistrée ajoutent une énergie supplémentaire. Associé à l'aspect pratique de n'avoir besoin que d'un pianiste solo, cet arrangement peut être perçu comme une amélioration par rapport à l'original.

2013 : RADIO REWRITE

C'est une œuvre directement inspirée de certaines compositions du groupe Radiohead. En 2008, Steve Reich compose 2×5 qui marque une évolution dans ses approches instrumentale et interprétative puisque l'œuvre introduit des éléments de la musique rock/pop (batterie, guitares et basse électriques) et qu'elle sera notamment jouée par Jonny Greenwood du groupe Radiohead. Après une rencontre avec l'ensemble du groupe en septembre 2011, lors du festival Sacrum Profanum de Cracovie en Pologne où Greenwood interprète une nouvelle version d'Electric Counterpoint, Steve Reich décide en 2012 de poursuivre dans cette voie, notamment sous l'influence des compositions du groupe anglais qu'il avait auparavant découvert grâce au film There Will Be Blood (2007) de Paul Thomas Anderson et auquel il s'est intéressé comme source d'inspiration mélodique et textuelle.

En 2012, les ensembles London Sinfonietta et Alarm Will Sound de New York commandent à Steve Reich une pièce qu'il compose dans un premier temps pour quinze musiciens et bande magnétique. Déçu du résultat, il décide de récrire une partition en s'inspirant des chansons "Everything in Its Right Place" (de l'album Kid A paru en 2000) et "Jigsaw Falling into Place" (de l'album In Rainbows paru en 2007) de Radiohead, qu'il intitule Radio Rewrite afin de signifier clairement la parenté. Les emprunts très libres aux compositions de Radiohead sont cependant de l'ordre de l'esprit des mélodies du groupe, Steve Reich déclarant : « Quand vous écoutez, vous percevez un souffle de Radiohead, mais 90 % du temps ce n'est pas le cas »